interviews

10/2008

«Ничто не заменит хорошего учителя» (интервью журналу Community Drum, октябрь 2008)

Community DRUM: Ты — известный в Петербурге преподаватель игры на ударных, поэтому наш первый традиционный вопрос звучит так: как ты понял, что преподавание — это твоё, и как началась твоя преподавательская деятельность?

Макс Клоц: Мне очень повезло с учителями. Моим первым учителем был Владимир Григорьевич Кириченко, выдающийся педагог, первый популяризатор рудиментального подхода. Я начал заниматься у него в октябре 1991 года, а на следующий год поступил в музыкальное училище им. М. П. Мусоргского, где продолжал обучение у него же. У нас был замечательный контакт и взаимопонимание. Вскоре Владимир Григорьевич начал ставить передо мной преподавательские задачи, т. к. в плане техники я считался «лучшим студентом» и обладал способностью объяснять. В октябре 1994 года Владимир Григорьевич официально предложил мне начать преподавать в качестве своего помощника. Он также сказал мне тогда, что видит во мне своего преемника. Это, наверное, и следует считать началом моей преподавательской деятельности. Я помню, как он представил меня ученикам: «Макс — мой преемник и продолжатель, вы можете доверять ему как мне самому». Эти слова я до сих пор вспоминаю с гордостью, и они накладывают большую ответственность.

О ПРЕПОДАВАНИИ

Работая со своими студентами, я всё время стараюсь не забывать, каким я был сам в их положении и в их возрасте: что я хотел узнать, что у меня не получалось, чем я хотел, чтобы со мной занимались. Важно, чтобы мои ученики получали то, что я сам хотел бы получить от своего учителя. В моём представлении преподаватель должен заложить основы техники и владения инструментом, чтобы ученик мог двигаться дальше в любом нужном ему направлении. Хороший педагог может помогать формировать вкус и музыкальное мировоззрение студента, но делать это нужно только в том случае, если он к этому стремится, и не стоит навязывать свои предпочтения. Конечно, преподаватель музыки должен любить музыку. Испытывать потребность делиться информацией, методами, способами; всячески помогать в их усвоении; хотеть, чтобы ученик совершал прогресс и помогать ему этого добиваться. Учителю необходимо уметь заинтересовывать, поддерживать интерес, мотивировать людей и помогать в нахождении стимулов для занятий. Важно, чтобы преподаватель был играющим музыкантом (хотя бы в прошлом), чтобы все теории и техники, которым он обучает, работали на практике. Важно уметь находить нужные слова и способы объяснения в зависимости от того, что доступнее тому или иному студенту. Клише часто не срабатывают, и надо проявлять гибкость, находить новые слова, приводить новые примеры. Непременно каждый раз убеждаться, что сказанное понято правильно. Конечно, нужно быть культурным человеком, чтобы грамотно и внятно излагать свои мысли. Для меня крайне важно быть компетентным и владеть качественной, проверенной информацией, желательно полученной из первоисточника.Я всё время проверяю, уточняю свои знания и умения, и если есть счастливая возможность свериться, проконсультироваться с первоисточником, автором техники, идеи и т. п., обязательно это делаю. Т. е. происходит постоянное повышение вашего уровня, а значит, и уровня вашего диалога с учащимися. Музыкант учится всю жизнь, а преподающий музыкант просто обязан это делать.

Где ты преподаёшь?

Я преподаю в колледже им. Мусоргского, эстрадное отделение которого является сильнейшей школой традиционного джаза, воспитавшей множество известных джазовых исполнителей. Я также работаю в Университете культуры, единственном в Петербурге учебном заведении, дающем высшее образование в области современной музыки. Я также выступаю как независимый преподаватель.

А нужен ли педагог сегодня, при таком огромном количестве учебного материала? Кто-то говорит: да ну его, я и сам могу!

Я бы разделил ситуацию. Если человек не знает, как держать палку, то маловероятно, что он сможет заложить корректную техническую базу и добиться хорошего звукоизвлечения, пользуясь только видео и нотами. Понимаете, музыка — это форма культуры. Музыка сродни языку. А культуре и языку невозможно обучиться только по книгам, видеошколам и аудиопособиям. Ну никак! Это как язык учить по словарю. В лучшем случае вы заучите много несвязанных друг с другом слов. Но ни произносить их, ни употреблять, ни мыслить на новом языке вы не будете. Во избежание подобной самодеятельности совершенно необходимо учиться у педагога. Неслучайно в большинстве учебников вы найдёте что-то типа фразы «Ничто не может заменить хорошего учителя» (Ted Reed, “Modern Syncopation”). 0 том же часто говорят на видеошколах. Но если у студента уже заложен фундамент — техника, звук, координация, сведения о различных стилях, — то во многом действительно можно разобраться самому. Однако при работе с учителем прогресс происходит несравнимо быстрее. Многие уже состоявшиеся музыканты, более того, многие великие музыканты на пике своей карьеры обращаются к преподавателям. Например, Дэйв Вэкл (Dave Weckl) и Стив Смит (Steve Smith) — к Фрэдди Груберу (Freddie Gruber). А ведь эти люди ещё в юности получили самое фундаментальное музыкальное образование. Музыкант учится всю жизнь. А один из самых эффективных способов обучения, как говорит Дэйв Вэкл — «найти учителя, в системе которого вы хотите разобраться и которому в этой системе нет равных» (не совсем дословный перевод, но очень точный по смыслу).

А сам ты обращался к каким-либо учителям, уже будучи профессиональным музыкантом и преподавателем?

Да. Как я уже говорил, мне с учителями очень повезло, моим вторым учителем был Джим Чепин (Jim Chapin). В определённый момент для решения новых музыкальных задач возникла необходимость лучшего динамического контроля, большей естественности при перемещении по установке, большей выносливости и темпов, что привело меня к поиску новых технический решений. Результатом этих занятий и явилась та техника — вернее, одна из нескольких техник, которой я пользуюсь, которую преподаю и которая принесла мне определённую известность, в т. ч. благодаря поддержке со стороны Джима Чепина и Дома Фэмьюларо. Речь идёт о мёллеровской технике. Если вкратце и упрощая, то это очень старая, традиционная техника, которую в 1925 г. описал в своей книге “Moeller Book” Сэнфорд Мёллер (Sanford A. Moeller) и которую он преподавал своим ученикам, из которых все знают Джина Крупу (Gene Krupa) и Джима Чепина. Правда, как рассказывал Чепин, сам Мёллер книгой был недоволен, особенно картинками-фотографиями. Консультации с рудименталистами, в особенности с Риком Бэкэмом (Rick Beckham), в своё время также оказали большое влияние и на мою технику.

Расскажи подробнее об обучении у Джима Чепина.

Джим Чепин — последний из прямых учеников Мёллера, лучший его ученик. Он несёт в себе и передаёт многолетнюю традицию американской барабанной музыки. У меня была счастливая возможность обратиться к нему и общаться с ним лично, что для меня было важно помимо всего ещё и потому, что я преподаю, а значит, должен быть уверен в правильности, аутентичности того, что я делаю и как объясняю, чтобы мои ученики, в свою очередь, получали верную информацию. Итак, я обратился к Джиму, чтобы сверить свою технику, а также рассказать о своих методах объяснения материала. Он сделал несколько корректив, но в целом весьма высоко отозвался и о технике, и о преподавательских методах, что стало для меня колоссальным стимулом... Ну, когда сам Джим говорит “perfect rolls”, “sensational hands” — это вдохновляет, верно? От него исходит огромная энергия, и это при том, что ему восемьдесят девять лет, и он фактически не ходит (но играет — супер!). Память у Чепина удивительная, я до сих пор получаю от него приветы через едва знакомых мне людей. Его поддержка, мотивация, ряд идей, которыми он со мной поделился — всё это способствовало моему очень быстрому прогрессу. Воспоминания об общении с Джимом вылились в соло “Striving for Perfection” (название серьёзное, но на самом деле это была наша с ним шутка). Конечно, личный контакт c учителем незаменим ничем. Но если возможности заниматься очно всё-таки нет, базовые сведения о мёллеровском методе можно почерпнуть из видео “Jim Chapin. Speed, Power, Control, Endurance”, которое я всячески рекомендую. Оно содержит всю необходимую информацию, чтобы начать заниматься этой техникой. Со своей стороны я постарался как можно подробней изложить мёллеровский метод в сочетании с рудиментальным подходом на своих видео «Мастер-классы в „Синкопе“» за 2006 и 2007 годы.

Ты выпустил несколько нотных школ, аудио- и видеоматериалов, для российского барабанщика это скорее исключение... Откуда такая продуктивность и что побудило тебя к выпуску этих видео?

Во-первых, отсутствие какой-либо систематической информации по рудиментальной технике, а также по мёллеровскому методу на русском языке. Упорядоченных рудиментальных видео, кстати, и по-английски немного. К тому же мне хотелось изложить техническую информацию в некой логической последовательности плюс сразу дать демонстрацию применения рудиментальной фразеологии на установке с помощью техники Мёллера; параллельно дать демонстрацию альтернативных техник. Конечно, на видео не только это, много рассказывается об установке, о музыке, о стилях. Ну, и самое грустное, в начале 2006 г. ушёл из жизни мой первый учитель. Я помню, он всегда сетовал на отсутствие рудиментального видеоматериала. Книгу «26» тоже побудил меня написать он. Поэтому мои рудиментальные видео — ещё как бы посвящение, дань ему. Кроме этого, издательство «Планета музыки» в этом году выпустило моё видео «Школа игры на ударных инструментах». Несмотря на такое строгое название, это школа для начинающих, поэтому там очень подробно объясняются и показываются азы «моей» системы; плюс к диску , прилагается книжка, в которой объяснения ещё более подробные, если такое только возможно.

Расскажи в общем о своей системе и методиках преподавания.

О системе как таковой говорить трудно, потому что она сильно зависит стучащегося. Одну и ту же информацию разным людям приходится преподносить по-разному, в зависимости от того, на что студент лучше реагирует. Для кого-то лучше работает аналитический подход, подробное объяснение всех элементов словами. Другому ученику проще повторить движение, третий может сначала лучше воспринять на слух, четвёртому помогают счёт и ноты. Конечно, в итоге каждому необходимо всесторонне понять технический приём, или рисунок, или фразу, но для меня важно найти форму объяснения, наиболее доступную для данного ученика. Во многом, конечно, помогает интуиция и опыт. Выбор способа объяснения в моём случае происходит почти бессознательно. Немного проще рассказать о методиках, очень кратко. Первое, с чего всё начинается, — это постановка рук и освоение рудиментальной техники. Мы говорим о мёллеровской технике, об идеях Стоуна (G. L. Stone) и Глэдстона (Billy Gladstone), Морелло (Joe Morello), о современной интерпретации этих техник. В процессе занятий техникой, помимо собственно технологии, обязательно присутствуют тексты, схемы, фразы. Важным в процессе обучения является умение заставить рудиментальную фразу, техническое упражнение работать, т.е. звучать как музыкальное высказывание и создавать грув. Это умение потом распространяется на игру на установке... и на чём угодно, хоть на коленях. Далее: бас-барабан и хай-хэт, координация ног. Моя идея была разделить игру руками и ногами, чтобы учащийся увидел, как работают ноги, прежде чем он соединит их с руками в рисунках. Этому и посвящена книга «Бас-барабан: мощная техника». Я написал этот учебник для своих студентов ещё в 1996 году, так сказать, для внутреннего пользования. Она был переиздана в прошлом году изд-вом «Невская нота». О книге положительно отозвались Билл Бруфорд (Bill Bruford), Ренэ Кремерс (René Creemers), Джим Чепин, Дом Фэмьюларо, Рик Бэкэм, который даже занимался по ней, прошёл всю (рудименталисты очень трудолюбивы), «нашёл её очень полезной» и порекомендовал расширить дополнительными упражнениями. Видимо, придётся... (улыбается). Далее идут занятия на установке в разных стилях. Про это рассказать в рамках интервью просто не представляется возможным. Отмечу только, что при этих занятиях обращается особое внимание на корректную технику, правильное чувство стиля, хороший, глубокий звук. С самых азов идёт работа над временем и грувом. Все эти аспекты придают в итоге звучанию «фирменность». Работа с метрономом, целой серией разных версий клика и игра с записью являются частью обязательной программы.

Ты считаешь себя рудименталистом?

Рудименты — это барабанные гаммы и арпеджио, базовый словарь, основы. Знание рудиментов и использование рудиментальной фразеологии позволяет добиваться больших темпов, лучшего контроля и «фирменного звучания». С точки зрения фразеологии, аппликатурного мышления, техники игры на малом барабане, а также преподавания я, безусловно, рудименталист. Я интенсивно использую рудиментальный подход. С точки зрения исполнительства, я — исполнитель на установке. Как исполнитель вы являетесь «рудименталистом» (rudimental drummer), если играете на инструментах маршевого оркестра (Drum Corps, драмкор), в первую очередь на малом барабане, и, как правило, маршируете при этом.

Помимо преподавания ты давно играешь в группе «Парадигма». Расскажи о своих основных проектах.

Постоянно функционирующих проектов в Петербурге сейчас два — это «Парадигма» и квартет Михаила Костюшкина. Помимо них есть ряд студийных работ и учебных проектов. Группа «Парадигма» играет фьюжн — самый близкий мне стиль. Вся музыка сочинена пианистом Сергеем Татаринцевым (мне всегда была интересна именно оригинальная музыка). Сочетание фанковых ритмов, джазовой гармонии, сложной формы, полиметрии и... много барабанных соло! Это музыка, дающая барабанщику широкие возможности для самовыражения. С «Парадигмой» мы делали своеобразный концерт-мастер-класс в этом году для магазина «Синкопа», вскоре должен выйти DVD. Второй постоянный проект — это квартет Михаила Костюшкина. Современный джаз. Сам Миша — живая легенда, один из лучших саксофонистов петербургского джаза. Играть с ним — всегда эксперимент, свобода...

Преподавание помогает в игре?

Хороший вопрос. В моей ситуации — да. Во-первых, преподавание заставляет держать в форме аппарат, технику. На сцене вам вряд ли понадобится демонстрировать рудиментальные «брэйкдауны» или что-то в этом роде. А в процессе объяснения эти вещи приходится делать почти ежедневно, что само по себе поддерживает определённый уровень. Во-вторых, многие идеи для соло и рисунков у меня складывались именно во время объяснений ученикам. Вы излагаете некую концепцию и дальше вам надо тут же продемонстрировать, как она работает, в разных версиях и темпах, иногда с развитием, импровизационно. И вот во время этих демонстраций возникают комбинации и фразы, которые не приходят в голову при обычных самостоятельных занятиях.

А мешать оно может?

Может. Игра многих преподающих музыкантов зачастую имеет сильный «учебный» привкус, т.е. находясь на сцене, они как бы продолжают преподавать.

В прошлом году мы видели тебя на петербургской музыкальной выставке “MusicMesse 2007” и одного, и в составе группы «Парадигма»; этой осенью ты играл на московской выставке «Музыка Москва 2008». Такие шоу отличаются чем-то от обычных концертов и мастер-классов?

Да. Это называется “clinic” — живой масштабный мастер-класс, как правило, с игрой музыки (например, с минусом), барабанных соло и пр. Но такие выступления носят менее образовательный характер, чем стандартный мастер-класс, и скорее являются больше способом мотивации, т.е. должны вдохновлять людей заниматься барабанами. Вообще, не чем-то конкретным, а просто— заниматься. 10-11 октября на выставке «Музыка Москва» моей задачей было представлять именную установку Стива Смита, который меня подробно проинструктировал, так что я знал, о чём рассказывать. Кроме этого, я играл и демонстрировал ряд идей, в том числе, конечно, и в стиле Стива Смита, и Тони Уильямса (Tony Williams), что было очень естественно делать на этом инструменте. Отвечал на вопросы, многие из которых касались, как всегда, техники рук, все тех же двоек, рудиментов. Обычно в первый день такие шоу идут с некоторым напряжением, натягом, но в этот раз к стенду пришёл Дом Фэмьюларо и начал «мотивировать» людей в своём стиле. После чего всё было просто замечательно.

Важно ли для тебя, на каких инструментах ты играешь?

Да. Для меня очень важно, на чём играть. Винни Колайюта (Vinnie Colaiuta) в одном интервью сказал: «Пусть говорят что угодно по поводу того, что всё дело в руках, и что любой инструмент можно заставить звучать хорошо. Если вы хотите получить определённый звук, вам нужен инструмент, способный этот звук выдать». Я полностью разделяю эту точку зрения. Конечно, от ваших рук (и ног) будет зависеть звук, исходящий из инструмента — то, как вас слышат со стороны. Но чувство самого инструмента решительным образом влияет, насколько удобно будет играть вам, насколько будет вдохновлять вас ваш звук. Именно поэтому мой инструмент — это Yamaha, Paiste, Vic Firth и Remo. Они обладают тем «чувством», которое помогает мне играть комфортно и без усилий, и передают именно тот звук, который я слышу «внутри себя». Есть много других производителей качественных инструментов — но это то, что работает для меня.

Являешься ли ты эндорсером этих брендов?

Официальные эндорсерские контракты заключены с компаниями Paiste (официальный артист с 2002 года) и Vic Firth (официальный артист с 2006 года). С Yamaha у нас давние плодотворные дружественные отношения, как и с Remo. Да, пару слов по поводу эндорсмента. Это популярная тема сейчас, хотя ещё лет пять назад об этом почти никто в России даже и не слышал. Для меня контракт — это официальное отражение моего музыкального, а не финансового выбора. Именно такой подход к вопросу, по-моему, делает эндорсмент плодотворным и вдохновляющим как для производителя, так и для артиста, — а также для их поклонников. Говоря о поддержке со стороны фирм, я также хотел бы поблагодарить за постоянную помощь и многолетнее сотрудничество магазин «Синкопа»,с которым у нас успешно реализована целая серия проектов. Мне также хотелось бы выразить свою признательность компании «Рояль» за их поддержку и замечательное отношение. Мои лучшие рекомендации «Студии «Егоров», где мы репетируем с «Парадигмой» и др. проектами.

Что является для тебя источником вдохновения?

Я повторю слова Стива Смита: «Барабаны. Их звук. Их ощущение». А что же ещё?!

Текст: Community DRUM